Glockenspiel

El Glockenspiel o lira, es un instrumento pequeño, exclusivamente orquestal, hecho de laminas de metal en disposición de teclado, habitualmente sin tubos resonadores, y sin una tesitura definida, aunque en ocasiones, se fabrican y usan liras con pedal, más grandes, para repertorios orquestales más importantes, o que requieren un rango de tesitura más amplio del habitual.

Sus pequeñas láminas descansan sobre un fieltro móvil que sirve de apagador, cuando se requieren sonidos cortos, aunque lo más usual es dejar en libertad la resonancia de este instrumento.

Este instrumento es una adaptación simple del auténtico glockenspiel, consistente en un sistema de martillos, activados por un teclado, que golpean esas láminas de metal. Existen algunos pasajes (La flauta mágica) donde es imprescindible usar este instrumento de origen entre francés y alemán.

La lira tuvo su época importante durante el periodo impresionista donde los compositores, sobre todo Franceses, la usaron por su sonoridad pequeña y su capacidad de mantener un sonido afinado con tímbrica de metal, (como un triangulo afinado).

El repertorio es amplísimo y suele ser destinado a especialistas debido a su dificultad de interpretación.

Marimba

La marimba, tal y como la conocemos hoy en día en un instrumento hecho de láminas de madera afinadas, dispuestas en forma de teclado. Se podría decir de él que es un Xilófono de sonido grave y amplio, gracias a sus tubos resonadores situados justo debajo de las láminas, para amplificar y redondear el sonido de unas placas de palo de rosa afinadas en disposición cromática.

Su sonido se produce al golpear estas láminas con unas baquetas hechas de mango de madera y bola de caucho, aunque últimamente se está imponiendo la bola recubierta de lana, para conseguir ese efecto redondo del sonido.

Aunque la mayoría de historiadores localizan el origen de la Marimba en Africa, proveniente de los balafones e instrumentos similares, también se han encontrado relieves de algo parecido a una marimba en algunas pirámides del sudeste de México y Guatemala. Por eso vamos a hablar de la Marimba en dos direcciones totalmente distintas:

* La Marimba como instrumento solista actual. (Europa, Japón y EE.UU.)
* La Marimba como instrumento típico de México y Guatemala.

Ya que son totalmente distintas, las visiones que se tienen de este instrumento en las dos partes del mundo, y aunque se pudiera hablar, igualmente de la Marimba africana, la vamos a dejar pasar, ya que estos instrumentos no se pueden identificar casi en nada con los que conocemos en la actualidad.

La Marimba en México y Guatemala

En Chiapas:

Lo cierto es que, actualmente es el instrumento más representativo del estado mexicano de Chiapas y uno de los instrumentos más conocidos del país, donde ha pasado a ser algo más que un instrumento. Aunque está muy extendido por el estado de Oaxaca y Parte de Veracruz.

En Chiapas es donde además se fabrican las mejores Marimbas en México, esto es debido a que utilizan madera proveniente de un árbol llamado hormiguillo, utilizando los más viejos que conservan una riqueza sonora mayor. Es una tarea ardua y difícil, por eso los constructores tradicionales, conservan gran prestigio, realizando, tan sólo, algunos instrumentos al año, tres o cuatro como mucho. Para entender como en Chiapas se ha extendido tanto el uso de la Marimba, antes debemos hacer notar que Chiapas en un principio fue un estado Guatemalteco, donde la Marimba es sin duda alguna el instrumento por excelencia, como veremos después.

El desarrollo de la Marimba en México se debe al conocimiento que dieron de ella en la capital los chiapescos que se acercaron para realizar grabaciones y amenizar los salones (por aquel entonces imbuidos de un falso boato) que solicitaban, escuchar esos instrumentos curiosos que dominaban las afueras del país. Debido a esto surgieron innumerables grupos instrumentales e incluso escuelas que enseñaban el uso de este instrumento. Desde 1934, se tienen referencias de escuelas particulares, promovidas por los constructores y que rápidamente Proliferaron por toda la región, animando de este modo la referencia musical, y realzando la actividad de construcción del instrumento, con sus innovaciones a lo largo del tiempo.

Estas orquestas que llegaban a la capital, a veces formadas solo por grupos enormes de Marimbistas tenían una forma muy particular de tocar (creo que de todos conocida), al principio, y por la escasez de instrumentos, dos o más tocaban en la misma Marimba, repartiéndose las tesituras y las voces, inventando de esta manera una forma de tocar muy particular, conocida Con el nombre de "tocar a la Mexicana". Esta forma de tocar se impuso por toda la región y las orquestas la adaptaron con suya, de esta manera podían interpretar obras de una dificultad enorme, pero con una facilidad asombrosa, consiguiendo una sonoridad jamás igualada por ninguna orquesta posterior.

Como casi siempre, las crisis económicas, supusieron un caos para estas orquestas y ralentizaron, enormemente, la evolución de este tipo de formaciones que rápidamente se acomodaron a menor personal. Aún así, hoy en día podemos disfrutar de formaciones, que si bien no son tan extensas como antaño, aun conservan la tradición de "tocar a la Mexicana" consiguiendo esa sonoridad que provenía de la selva Chiapesca y de las tradiciones de un pueblo que ha adaptado su Marimba (aunque su origen sea Africano) a su sentir particular.

Desde los transportes de Marimbas, por la selva, con el instrumento a cuestas, hasta los conservatorios oficiales, donde la Marimba Mexicana se estudia, tal y como la entendemos en Europa, los Mexicanos han hecho de este instrumento algo sin igual que sigue evolucionando en sus dos sentidos: La tradición y la Globalización.

En Guatemala:

Instrumento al que los guatemaltecos dan el nombre de autóctono y lo encontramos tanto en la ciudad como en las áreas rurales del país, muy gustado y apreciado por todo guatemalteco que lo consideran patrimonio nacional.

Su origen es muy discutido; algunos lo atribuyen al continente africano, otros lo suponen de Indonesia y hasta hay quienes lo creen del Amazonas.

Quienes atribuyen su origen al África negra, creen que los africanos construyeron algunas marimbas de las usadas por ellos en su país de origen al venir a tierras guatemaltecas y que los indígenas copiándoles el modelo lo reformaron a su modo poniéndole cajas de resonancia, hechas de tubos de bambú o de calabazas, siendo ejecutadas en un principio por una sola persona; alcanzando más tarde cierto grado de perfeccionamiento que permitió su popularidad entre todas las clases sociales guatemaltecas.

Las cajas de resonancia se hacen actualmente de madera de cedro o ciprés, afinadas de acuerdo con la tecla y con una membrana pegada con cera en el extremo inferior, lo que permite el "charleo" que facilita la prolongación del sonido; la construcción de las primeras marimbas fue de solo escalas diatónicas (son las escalas que producen los pianos, las melódicas o pianicas cuando únicamente se utiliza el teclado blanco) y se les dio el nombre de MARIMBAS SENCILLAS; en las que, para "bemolizar" un sonido, los ejecutantes pegaban una bolita de cera en un extremo de la tecla, bajándole así medio tono, a lo que los Marimbistas llaman "transportar".

De las primeras marimbas que se tiene conocimiento es de las marimbas de aro o arco, consistentes en un teclado de madera de hormigo, colocado sobre un marco de otra madera (pino o cedro) con un cincho de tela que le servía al ejecutante para "colgársela" y poderla así tocar en forma portátil; tenía calabazas o tecomates que le servían de cajas de resonancia. Estas marimbas pueden verse aun en los museos y todavía se encuentran en algunos lugares distantes de la ciudad donde las ejecutan de vez en cuando los campesinos que las han heredado de sus antepasados.

Posteriormente apareció la marimba "sencilla" de la que ya hablamos que produce escalas diatónicas únicamente, con cajas de resonancia y con un teclado en donde ejecutan tres o cuatro personas (según su tamaño); este conjunto lo agrandaron agregándole una marimba pequeña que recibió el nombre de tenor, en la cual ejecutan dos o tres personas; fue así como se conoció el instrumento hasta inicios del Siglo XX, en que aparecieron las primeras marimbas de doble teclado. Al par de marimbas sencillas (una grande y una pequeña) se les dio el nombre de "marimba cuache".

Castañeda Paganini dice que el primero que construyó una marimba de doble teclado capaz de producir escalas cromáticas, fue el quezalteco Sebastián Hurtado, por sugerencia del eminente músico Julián Paniagua Martínez.

En el año 1899, para un cumpleaños del Presidente Manuel Estrada Cabrera (quezalteco), la marimba de los hermanos Hurtado dio un concierto en la Capital, llevando en su repertorio el vals "Xelajú" y un "pasodoble" con el nombre del mandatario, concierto que ejecutaron con la primera marimba "doble" que llegó a la ciudad de Guatemala.

Hasta la fecha se acostumbra el uso de dos marimbas, denominándose a la pequeña "Tenor" y a la grande simplemente marimba; el número del ejecutante es el mismo que toca en las marimbas sencillas cuaches, agregándoles un contrabajo al que han suprimido una cuerda y le han dado el nombre de VIOLON, el cual tocan en forma pulsada; y una batería para acentuar el ritmo de las diversas melodías que ejecutan.

Los "Puestos" de la marimba tienen el siguiente nombre: pícolo, tiple, centro y bajo, comenzando por la parte más aguda y el tenor: pícolo, tiple y bajo de tenor. En la marimba grande se ha acostumbrado a tocar la primera voz de la melodía en el pícolo y el tiple, el acorde en el centro, y en el bajo la nota más grave del acorde con su respectivo cambio para evitar la monotonía. En el tenor se toca: en el pícolo y tiple, segunda voz y a veces segunda y tercera, a lo que los Marimbistas llaman "llenos" y el bajo de tenor refuerza la primera, haciendo algunas veces contra-melodia.

En la actualidad algunos Marimbistas profesionales que ejecutan el instrumento a base del solfeo, hacen arreglos en los cuales cada ejecutante toca un papel distinto; esto ha venido a complicar la ejecución del instrumento, pero le da más encanto y lucidez.

El compositor Raúl Albizí Anleu ha ideado un estilo de marimba fraccionada, consistente en seis marimbas pequeñas, una para cada ejecutante, lo que desde luego permite mayor independencia en la ejecución de sus respectivos papeles. A este conjunto le dio el nombre de GUATEMARIMBA.

David Vela dice: "Nos referimos también a la tesis del Dr. Castañeda Paganini sobre la posible reinvención de la marimba en Guatemala, por los africanos traídos como esclavos en el siglo XVI, sorprende no obstante que la marimba aparezca aquí tempranamente entre comunidades cerradas a la influencia de ellos, entre alejadas montañas, y falte en las zonas realmente habitadas por la raza de color". Ahora bien, lo que resulta indudable es que el genio inventivo del guatemalteco transformó el instrumento hasta el punto de hacerlo suyo, como tan acertadamente lo expresó Erna Ferguson:

"LA MARIMBA PUEDE NO SER DE GUATEMALA,
PERO INDUDABLEMENTE ES GUATEMALTECA".

La Marimba como instrumento solista

La Marimba que nosotros conocemos, después de haber hablado un poco de la Hispanoamericana, es posible que la veamos de una manera totalmente diferente a la que creíamos que era, pero no debemos preocuparnos, pues es una equivocación muy habitual.

La Marimba occidental, esa marimba de concierto que conocemos gracias a los grandes interpretes (sobre todo norteamericanos y Japoneses) es realmente, y para mi, el futuro de la Marimba en el mundo, ya que, sin duda alguna, es el instrumento de estas características más evolucionado que existe, tanto física como técnicamente.

Está construido de láminas de madera en forma de teclado, soportadas sobre unos bastidores en línea y provistas, cada una de ellas de un tubo resonador que amplifica y redondea el sonido. Están construidas con Palo de Rosa, y dependiendo de la densidad de esta madera el sonido es más potente y bello. Las mejores láminas están hechas de la parte central del árbol, y debido a su gran precio, algunos constructores utilizan el exterior del tronco (mas barato y de peor sonido) para facilitar la compra de estos instrumentos que son enormemente caros.

Los tubos resonadores, ya no tienen ese bordón tan característico en las Marimbas Mexicanas o Guatemaltecas y la interpretación se suele hacer a cargo de un solo interprete, que además suele ser un virtuoso en el manejo de las baquetas (Hasta 3 en una sola mano), y un conocedor extraordinario del teclado, con una velocidad de interpretación y una fuerza que llaman la atención en un instrumento aparentemente tan delicado.

Con respecto a su historia es totalmente nueva, apenas unas décadas contemplan esta manera de ver el instrumento, sin embargo, algo parecido apareció en Venezuela de donde proviene la primera Marimba cromática (Marimba Chonta) a principios de siglo, y más tarde, el cromatismo físico del instrumento fue desarrollado en México por los constructores mas aventajados y por la necesidad de "bemolizar" algunas notas (Antes se hacía con una bolita pegada a la lámina). Pero también es cierto que el verdadero desarrollo de la Marimba cromática es Japonés (debido a la necesidad de tener Xilófonos graves) y Americano (gusto por lo exótico). De donde provienen los mejores interpretes que hoy en día están haciendo de este instrumento algo conocido en todo el mundo.

Aunque en la orquesta ha sido introducida poco a poco, su uso es cada vez más importante, tenemos ejemplos en "Tres piezas para orquesta" de Alban Berg, "The Food" de Stravinshy, Dallapicolla en "Parole di San paulo", y multitud de ejemplos que cada vez son más numerosos.

Igualmente los compositores lo están viendo como instrumento solista de concierto y existen piezas repartidas por todo el siglo XX desde 1947 "Concierto para Marimba y Vibráfono" de Darius Milhaud o el "Concertino para Marimba" de Paul Creston, los "Conciertos para Marimba" de James Basta, de Robert Kurka o Ney Rosauro, pueden ser ejemplos de esto que comentamos.

Otra faceta importante de la Marimba es la faceta como solista de recital, que, Posiblemente, sea la faceta que ha dado a conocer y a hecho evolucionar en sonido y construcción este instrumento.

Vibráfono

El Vibráfono es un instrumento de placas de metal en disposición de teclado, cuya extensión estándar es de tres octavas y media (fa4 a fa7) aunque hay constructores que los hacen de cuatro octavas completas. Su característica principal es su capacidad, (gracias a su pedal), de mantener el sonido después de ser emitido por el golpe de las baquetas y la pequeña amplificación de su sonido por la rotación de las paletas que culminan sus tubos resonadores (acción mecánica).

Su uso preferente se realiza en la música de Jazz donde a raíz de músicos como Milt jackson, Lionel hampton, Gary burton, Dave Samuel, etc. Se estableció como uno de los instrumentos de teclado más usuales de las formaciones americanas de Jazz y música soul.

Este instrumento nace a principios de siglo (Notar que es eléctrico), de una manera distinta a los demás instrumentos, ya que ni ha sufrido evolución alguna, ni modificación significativa (aunque su parecido con el xilófono pueda indicar lo contrario), y posiblemente sea el único instrumento de percusión que ha sido adaptado por la orquesta, proveniente del Jazz.

Quizás basándose en los gamelanes de Java y Bali, Herman Winterhoff en 1916 confeccionó una marimba de láminas de metal, que obtenía un vibrato bajando y subiendo las cámaras de resonancia, y unos bastidores móviles que accionados por un pedal dejaban libremente resonar las láminas. Pero fue en 1921 cuando se consiguió el vibrato cerrando y abriendo las paletas mecánicas situadas al comienzo de los tubos, este instrumento fue llamado Vibraharp, pero gracias a George Hamilton Green se le conoce como Vibráfono.

Aunque es en el mundo de Jazz donde este instrumento a alcanzado su mayor expresividad, y más tarde hablaremos de ello, resulta imprescindible hacer una referencia a su utilización por la orquesta, pues existen piezas fundamentales que nos hablan de un intento (yo creo que sin fortuna) de introducirlo en la orquesta sinfónica.

En 1934 Alban Berg fue el primero en utilizarlo en la opera "Lulu" (posiciones fijas de acordes a 4 baquetas), mas tarde fue Britten en su Sinfonía de primavera y en su opera El sueño de una noche de verano y en su Réquiem de Guerra. Es utilizado igualmente de manera significativa por Walton en su concierto para violonchelo y su partita y Pierre boulez en "Le marteau sans Maître" (La primera aparición virtuosa del Vibráfono). En este apartado sería importante nombrar a Darius Milhaud, ya que fue el primero en introducir el Vibráfono como solista en su concierto para Marimba y Vibráfono y a Siegfried Fink con su Concertino para Vibráfono.

Hoy en día la mayoría de compositores, escriben, en la sección de percusión, para este instrumento, ya que su sonoridad amplía la resonancia y el efecto colorista de las placas de metal en la percusión. Es importante hacer notar que los compositores lo utilizan, a veces por protagonismo, sin saber, a ciencia cierta cual debería de ser su papel mas acertado, esto les hace llevar al Vibráfono literatura tan virtuosa que resulta imposible interpretar con lógica musical. Solamente cuando se escriben cosas solistas, el músico es capaz de interpretar con soltura un instrumento frío y complicado.

Pero como dijimos es en el Jazz donde predomina su uso, aunque curiosamente su uso, que comenzó con acordes de acompañamiento, por músicos no muy destacados, se alteró completamente con la llegada de los dos grandes innovadores (que provenían de otros instrumentos), Lionel Hampton (Batería) y Red Norvo (Xilo). El primero, que también era pianista, utilizó sus dos técnicas, (desarrollo mecánico en la batería y conocimiento del teclado, gracias al piano) para grabar el primer sólo de vibráfono (Memories of you), destacando posteriormente por su vitalidad y fuerza en los solos, y el segundo, algo más modesto completó una formación más pequeña, aunque su musicalidad (sobre todo interpretando Swing y Ragtime) era de tal asombro que influyó definitivamente en la consagración del Vibráfono como instrumento solista.

Tras ellos, y como un ciclón, aparece el que verdaderamente le dio fuerza al vibráfono en todos los aspectos, con él el vibráfono deja de ser un instrumento más y adquiere características propias (Sonido, fluidez, color, interpretación, rango), se trata de Milt Jackson, que liderando el Modern Jazz Quartet, llenó de sensacionales improvisaciones, fraseos fluidos y trepidantes Swings, todas las salas de música de su época y entorno.

Con la evolución del Jazz, igualmente evoluciona el vibráfono, que poco a poco va tomando un carácter cada vez más solístico, hasta que a mediados de los años 60, despega con el que posiblemente sea el más virtuoso de todos los vibrafonistas: Gary Burton.

Destaca de él, y sobre todo su impresionante técnica instrumental, así como su enorme conocimiento de las características propias de la interpretación en este instrumento, siendo así el primero en tocar con 4 baquetas no sólo en los acompañamientos, si no que en los solos utiliza esta posibilidad, creando de esta manera un estilo propio de solo. Su velocidad de ejecución, su particular sonoridad (fuerte y elegante a la vez), su conocimiento de la música de Jazz, hacen de él no sólo un gran vibrafonista si no un Jazz-man de los más reconocidos mundialmente.

Aunque Gary Burton a eclipsado a todos los vibrafonistas de la época y posiblemente a todos los actuales, existen, sobre todo a raíz de los años 80, otros músicos que han contribuido a su consolidación como instrumento importante, entre ellos cabe destacar a los siguientes:

1. Bill Molenhoff
2. Mike mainieri
3. David friedman
4. Dave samuel

¿Hasta donde nos llevará este instrumento?. Quizás sea la pregunta a hacerse, cuando observamos y oímos a los grandes maestros, pero sin duda alguna, el Vibráfono, seguirá siendo referencia Jazzistica en cualquier época y lugar.

Xilófono

Introducción histórica

Este instrumento, formado por barras de madera dispuestas en teclado, recibe su nombre del Griego Xilon (madera) y Phono (sonido). Aunque su origen es muy discutido, debido a su aspecto físico puede ser que su origen tenga tres vías distintas.

Aunque algunos historiadores afirman que en primer lugar aparece en Indonesia desde donde fue introducido en Africa por los mercaderes árabes, me niego a creer que, al ser láminas de madera dispuestas en hilera, algún tipo de instrumento así no se tocará en Africa.

Observando las dos fotografías de la derecha como el Xilófono de Mozambique o bien el Sudafricano, se puede ver perfectamente como la disposición en hilera de láminas de madera ya aparece en Africa, al menos en la misma época que se desarrolla en Indonesia.

Los xilófonos africanos que conocemos poseen unos resonadores debajo de algunas láminas, con la idea de hacer más voluminosas algunas notas determinadas.

Estos instrumentos golpeados se usaban habitualmente para acompañar las danzas, danzas muy características y músicas muy exactas, donde el ejecutante debía tocar siempre lo mismo, como se puede observar en la fotografía, en ocasiones los propios tocadores eran los danzantes, para ello acompañaban al instrumento con unas cuerdas que ataban a los laterales de instrumento y hacían pasar alrededor de su cuello. Aunque es posible que este instrumento estuviera considerado poco en la tribu por su necesidad de que el tocador estuviera quieto y no pudiera danzar, ni moverse, también es cierto que existían todo tipo de artilugios para hacer de este instrumento un sonido tan popular como el de los tambores de mano o tambores de varilla (aquellos que eran golpeados con un palo).

Con respecto al origen sudamericano de los instrumentos de láminas de madera, los criterios parecen coincidir en que fueron esclavos negros los que introdujeron este tipo de instrumentos al llegar al continente desde África. Posiblemente sea en este continente donde más tarde se conoció este tipo de instrumentos, pero su desarrollo y su enorme calado en la sociedad a propiciado su evolución hasta como lo entendemos hoy en día (Láminas de madera, dispuestas en teclado de mayor o menor extensión que son golpeados con palos provistos de bolas de madera o goma en su parte superior).

El Xilófono en la orquesta

Su evolución, "en la orquesta", para llegar hasta el xilófono actual, es larga y azarosa. Aparece en Europa a principios del S. XV denominado percusión de madera (Arnold Schild en 1511). En 1528 se describió por parte de Martín Agrícola un instrumento formado por barritas de madera (sobre unas 25) al que denominó "Strohfiedel" y un siglo más tarde Michael Praetorius hizo lo mismo con un instrumento de 15 láminas dispuestas en hilera en forma de pirámide.

Pero los hechos más importantes para descubrir el Xilófono son los grabados de Hans Hobein donde aparece, en uno de ellos un xilófono suspendido del cuello de un joven y la publicación en 1695 en Bolonia de "IL modo facile di suonare el sistro nomato il Tímpano" donde aparecen melodías populares cifradas para ser tocadas con un xilófono de 12 barras.

A lo largo de la historia se han ido describiendo instrumentos con las características de un Xilófono y en el S. XVII aparecen diferentes modelos de algo parecido a un Xilófono como el clavicémbalo de 4 octavas cuyas teclas estaban conectadas con unas bolitas de madera que golpeaban las barras, o bien el xilófono que era golpeado por debajo de las barras con unos martillos accionados desde un teclado.

Pero el autentico conocimiento, en Europa, del Xilófono data de la segunda mitad del S. XIX cuando un músico Judío de origen ruso llamado Micha Joser Guzikow efectuó giras de conciertos por toda Europa con un instrumento que en origen se utilizaba como instrumento melódico. Su virtuosismo atrajo la atención de Chopín, Lizt y Mendelsshon. Este instrumento era un Xilófono de 4 hileras y 28 barras afinadas por semitonos y con una forma trapezoidal.

Charles de Try, constructor del Triphone fue otro virtuoso del Xilófono. Parece ser que durante un concierto de fue escuchado por Camile Saint-saëns, y este, asombrado decidió emplearlo en su Danza macabra, introduciendo así el Xilófono en la orquesta sinfónica. Mas tarde lo volvió a usar en el Carnaval de los animales.

Después de esto es ya en el siglo XX donde el Xilo tiene su papel predominante, (aunque existieran algunos papeles para este instrumento en obras menores, piezas cortas o bien canciones populares escritas). En 1905 Strauss usa un pasaje de escalas repetidas en "Salome", Strawinsky en "El pájaro de fuego", "Petroucha", "las bodas", etc. Y son Shostakovich, Prokofiev, Kachaturian, Gayanech etc. Junto con todos sus coetáneos los que introducen el Xilófono por completo tanto en la escuela rusa de orquestación como en la tradición europea.

En Centro Europa Schoemberg escribió para tres xilófonos a la vez pidiendo que se tocara por dos ejecutantes, aunque hoy en día lo toca un solo ejecutante (Moisés y Aaron). Pero fue Bartok quien mostró mayor interés por el Xilo demostrándolo en multitud de obras con papeles importantes (El príncipe de madera, El mandarín maravilloso, Música para cuerdas, percusión y celesta, El castillo de barba azul y sobre todo la sonata para dos piano y percusión).

El impresionismo francés usó el Xilófono debido a su colorido tan particular y su velocidad de ejecución. Existen muchos ejemplos entre los que cabe destacar a Ravel y al Español Falla en "El sombrero de tres picos", o "El retablo de Maese Pedro".

A mediados del siglo XX se desarrolla por completo, tanto en lo tocante a su ejecución como en su aspecto técnico y físico, aportando, de esta manera, la posibilidad a la orquesta de su utilización completa, y es gracias a los compositores como Pierre boulez, que el Xilo, hoy en día esté considerado como un instrumento imprescindible para la sección de percusión de una orquesta sinfónica.

Igualmente la llegada de verdaderos virtuosos de este instrumento a hecho reaccionar a los compositores y hoy en día se pueden encontrar obras donde el Xilo tiene una importancia tan vital como cualquier otro instrumento solista de la orquesta.